El capitalismo es una receta para producir y distribuir grandes obras de arte
El capitalismo ha demostrado ser el sistema más favorable para las artes, las letras y la música. La mayoría de los creadores occidentales de renombre, desde Miguel Ángel hasta Mozart y Monet, triunfaron en el mercado. Shakespeare escribió con fines de lucro y comercializó sus obras para una amplia audiencia pública. Marcel Proust no escribió bestsellers, pero vivió de la riqueza capitalista de su familia para producir su innovador Remembrance of Things Past. La esencia del capitalismo —unir productor y consumidor— es una receta para producir y distribuir grandes obras de arte.
Los mercados basan el éxito artístico en inspirar, entretener y educar a otros seres humanos, más que en la fuerza o el privilegio político. En una economía de mercado, el apoyo a los esfuerzos creativos solo puede obtenerse convenciendo a otras personas, ya sean clientes o patrocinadores, de que el proyecto vale la pena. Por lo tanto, los mercados libres proporcionan el material análogo de los conceptos de libertad de expresión y persuasión.
La economía de mercado fomenta la producción artística a través de diversos medios. La creciente riqueza, por ejemplo, permite a más personas perseguir vocaciones artísticas. Hoy en día, el mundo apoya a un mayor número de creadores artísticos a tiempo completo que nunca. La economía de mercado también ha liberado a la humanidad del pesado trabajo físico y ha dado a nuestros vuelos creativos de fantasía un espacio cada vez mayor para crecer y florecer. Los niveles de vida más altos dan a las personas más tiempo para producir y consumir arte. Una sociedad rica y cómoda es también una sociedad hermosa.
El dinero fertiliza el espíritu artístico. Paul Cezanne vivía de asignaciones familiares y herencias. El poeta Wallace Stevens trabajó como reclamante de seguros y William Carlos Williams trabajó como médico. T.S. Eliot trabajaba en un banco mientras escribía poesía. Paul Gauguin primero acumuló sus ahorros mientras trabajaba como corredor de bolsa y solo más tarde siguió una carrera en el arte.
Otros artistas se han comprometido en la búsqueda de dinero a través de su propio arte. Mozart escribió una vez a su padre: “Créame, mi único propósito es ganar tanto dinero como sea posible; porque después de una buena salud es lo mejor que se puede tener “. Mozart era un negociador entusiasta que obtenía el máximo beneficio de cada concierto o composición. Charlie Chaplin comentó una vez: “Entré en el negocio por dinero y el arte surgió de ahí”. Estos grandes creadores no se “vendieron”, sino que convirtieron sus visiones personales en ganancias materiales al llegar a un gran número de clientes ansiosos.
Diversidad Artística
Las economías ricas apoyarán un conjunto diverso de visiones artísticas. La seguridad financiera les da a los artistas la posibilidad de rechazar los valores sociales. Los artistas bohemios y de vanguardia, a pesar de sus frecuentes protestas contra el capitalismo, deben su existencia a ese sistema. Los artistas que no se preocupan mucho por el dinero son un lujo que solo se puede permitir en las sociedades ricas.
La caída de los precios de los materiales artísticos, provocada por el progreso técnico, permitió que los pintores impresionistas y postimpresionistas subsistieran al margen de la sociedad, fuera del establecimiento cultural dominante. Más tarde, los impresionistas lograron riquezas y fama al establecer redes independientes de distribución comercial para sus obras de arte.
Tendemos a dar por sentado los materiales artísticos, pero la asequibilidad de estos materiales requería innovación empresarial a través de los mercados. El Renacimiento artístico de las ciudades-estado italianas surgió del crecimiento del comercio medieval, que hizo que la pintura, la escultura de mármol y la fundición de bronce fueran asequibles a gran escala. La revolución literaria llegó a Inglaterra en el siglo XVIII cuando la Revolución Industrial redujo el costo del papel y aumentó los ingresos de los consumidores por la compra de libros. El blues, el rock and roll y el jazz necesitaban el medio de la grabación electrónica para difundirse y mantenerse. La tecnología digital bien puede crear nuevas formas de arte para nuestro futuro.
Las tecnologías del capitalismo no solo estimulan el futuro, sino que también preservan el pasado a través de cintas de video, grabaciones y reproducciones de libros de imágenes. El espectador moderno tiene mejor acceso a Shakespeare que los isabelinos, y el oyente moderno tiene mejor acceso a cualquier compositor clásico que los compañeros de ese compositor. Más personas vieron el ciclo del anillo de Wagner durante una presentación de televisión que las que lo vieron durante todas las presentaciones en vivo que se han realizado.
La creciente división del trabajo en una economía de mercado también aumenta la diversidad artística, como reconocen Adam Ferguson y Adam Smith. La música, la literatura y las artes han dado origen a un número creciente de géneros y subgéneros diversos. Cuanto mayor sea el tamaño del mercado, mayor será el número de formas artísticas de las que los creadores pueden ganarse la vida. Mientras que los autores del siglo XVIII solo podían mantenerse escribiendo bestsellers, los autores de hoy pueden ganar mucho dinero en una variedad de géneros, que incluyen ciencia ficción, misterios, biografías y libros de viajes, por nombrar solo algunos ejemplos de muchos.
Los artistas han disfrutado de una creciente libertad creativa a lo largo del tiempo. A diferencia de épocas anteriores, los artistas de hoy no dependen de un solo mecenas o cliente. Cuando los artistas dependen de un solo mecenas, el artista debe producir para satisfacer los gustos de ese mecenas o perderá apoyo. Una multiplicidad de fuentes de apoyo financiero permite a los artistas elegir y elegir proyectos que se adapten a sus gustos. Miguel Ángel, quien enfrentó una fuerte demanda del mercado por sus servicios en Florencia, pudo alejarse de su trabajo en la Capilla Sixtina cuando surgió un conflicto. Regresó solo cuando el Papa Julio le permitió terminar el proyecto para satisfacer sus deseos.
Los forasteros culturales, como los afroamericanos, los judíos y las mujeres, tienen sus mejores posibilidades de éxito artístico en una economía de mercado. La música blues, que al principio se mantuvo fuera de la radio, se trasladó a las máquinas de discos, un medio descentralizado de entrega de productos en sintonía con los gustos de los consumidores. Los inmigrantes judíos, aprovechando su capital minorista y su experiencia, establecieron imperios de estudios de Hollywood para distribuir su producto cinematográfico. Las escritoras recibieron poco apoyo de patrocinadores y gobiernos, pero se conectaron con un gran número de lectores una vez que surgió un mercado para las novelas. Las corporaciones capitalistas, que buscan comercializar nuevas ideas con fines de lucro, apoyan más eficazmente el verdadero multiculturalismo que los defensores de la “corrección política”.
La división moderna entre la alta cultura, aquellas creaciones que reciben el reconocimiento más crítico, y la cultura “baja”, las creaciones más populares, refleja la diversidad y sofisticación de nuestra cultura, no su corrupción. Los artistas modernos pueden apuntar a audiencias específicas y arriesgarse más. Las mejores obras ya no tienen por qué ajustarse al estilo más popular. La enorme cantidad de “basura” cultural que existe hoy en día, aunque angustia a muchos observadores, es en realidad un síntoma de las diversas riquezas artísticas que disfrutamos.
Entra, la NEA
A pesar de los éxitos históricos de los mercados en el apoyo a la cultura, el gobierno estadounidense inició el National Endowment for the Arts en 1965. Sin embargo, incluso mucho antes de la creación de esta agencia, Estados Unidos lideró el mundo en arte moderno, música popular y cine, al tiempo que mantenía posiciones fuertes en literatura, poesía y composición clásica contemporánea. Los museos privados y las orquestas sinfónicas de Estados Unidos han sido la envidia del mundo. Los partidarios de la financiación pública de las artes buscan un objetivo contradictorio. Quieren disfrutar de los beneficios de una élite política rica sin sufrir los costos. Terminamos con el National Endowment for the Arts, una institución con un mandato imposible. Se supone que debe brindar los beneficios del gasto en artes aristocráticas sin dejar de ser responsable ante un sistema político basado en el estado de derecho. En la práctica, la financiación gubernamental ha apoyado un culto a la mediocridad. La NEA financia esfuerzos insípidos, del establecimiento o exhibiciones más controvertidas (por ejemplo, Robert Mapplethorpe, Andres Serrano) que ofenden a sus contribuyentes y violan su mandato democrático.
Los defensores de la financiación del gobierno se describen a sí mismos como progresistas, pero en realidad apoyan una posición históricamente reaccionaria. La música y las artes se han ido alejando de la financiación gubernamental desde la Edad Media. El Renacimiento, la Ilustración, el movimiento romántico del siglo XIX y el modernismo del siglo XX llevaron el arte aún más al nexo del mercado. La mayor parte del trabajo importante en el cine, la música, la literatura, la pintura y la escultura, ya sea del presente o del pasado, ahora se vende como una mercancía. En los debates actuales sobre la financiación pública, no debemos olvidar que la historia del arte es una historia de la lucha por establecer mercados.
